Discografia: Charisma (Virgin) Productor: David Hentschel/ Genesis. Pais: Reino unido. Duración: 50:45
Tracks: 1. Eleventh Earl Of Mar 2. One For The Vine 3. Your Own Special Way 4. Wot Gorilla? 5. All In A Mouse's Night ( 6. Blood On The Rooftops 7. Unquiet Slumbers For The Sleepers... 8. ...In That Quiet Earth 9. Afterglow
Band: Tony Banks: Steinway Grand Piano, ARP 2600 and Pro-Soloist synths, Hammond organ, mellotron Roland String synth, Rhodes Steve Hackett: electric guitar, nylon classical guitar, 12 string guitar, kalimba, auto-harp Mike Rutherford: string bass, bass pedals, 12 String Guitar, Electric Guitar Phil Collins: drums, percussion, lead vocals
Basta mirar bien la portada (hecha por el excelente dibujante Hipgnosis Colin Elgie) una de las más bellas que han sido creadas, para darnos un anticipo a lo q será el disco: Melancolía y Nostalgia. El aspecto ilusorio se presenta primero a través de la portada - un gris escenario otoñal con un árbol cuyo follaje resulta ser unas veintenas de aves, dejando al árbol desnudo y solo.
En este álbum Steve Hackett hace su última participación en el grupo, que también es visto como el último gran álbum de Genesis. También representa el ultimo álbum lírico con base "narrativa" que Genesis compuso, en tanto que, a excepción de “Afterglow “y “Your Own Special Way”, las canciones tienen como base un personaje, o están basadas en una historia mas que en la experiencia. Ilusión y desilusión son las ideas principales del disco. El álbum abre con “Eleventh Earl of Mar”, una gran pieza musical basada en la rebelión Jacobita de 1715, la cual introduce la idea de la inocencia (la voz del relato de forma alternada esta íntegramente en tercera persona, y es la del hijo del protagonista); y del fracaso, en la campaña final. Musicalmente “Eleventh Earl” es una potente canción que combina muy bien lo que es el rock eléctrico y las baladas acústicas. La canción concluye con la imprecación a esperar hasta que todo el mundo se olvide, y hacerlo otra vez - "some things never end" ("algunas cosas nunca terminan"). Lo cual nos lleva muy bien a “One For The Vine”. Esta trata de nuevo con la desilusión, el fatalismo y el fracaso, y refuerza ciertas ideas presentadas en la canción anterior. La culminación de la canción, como en “Eleventh Earl”, presenta el concepto cíclico, a manera de broche para “One for the Vine”. El héroe esta atrapado dentro del ciclo de los eventos descritos por la canción - y esta por lo tanto condenado a repetirlos. Luego sigue “Your Own Special Way”, canción que comienza con lo que ahora casi podría llamarse el arquetípico Genesis acústico- una virtuosa guitarra de 12-cuerdas que llena por completo la canción. Una pieza maravillosamente conmovedora nos lleva a “Blood On The Rooftops”, la primera entrada lírica y musical de Hackett a Wind & Wuthering. El disco concluye con “Afterglow”, una canción de redención y renacimiento, en medio del amor perdido. Líricamente, la sencillez de las imágenes y la cáustica intensidad de las palabras la hacen una de las mas finas canciones de Genesis.
Este es el último gran disco de Genesis donde también hace su última participación Hackett, imprescindible para cualquier colección prog, ya que es una obra maestra en todo ámbito, desde la narrativa, pasando por las líricas y la música.
Discografica: Nude Producido: Ed Buller País: Reino Unido Duración: 45:25
Tracks: 1. "So Young" 2. "Animal Nitrate" 3. "She's Not Dead" 4. "Moving" 5. "Pantomime Horse" 6. "The Drowners" 7. "Sleeping Pills" 8. "Breakdown" 9. "Metal Mickey" 10. "Animal Lover" 11. "The Next Life"
Band: Brett Anderson - Voz Bernard Butler - Guitarra, Piano Simon Gilbert - Batería Mat Osman - Bajo, Guitarra
El debut de Suede marcó el fin del torbellino mediático que había comenzado a principios de año, cuando el grupo consiguió una portada en Melody Maker sin que se hubiera oído una sola nota de su música. Marcado notablemente por todas sus influencias (David Bowie, The Smiths), el cuarteto logró hacer un disco que se oponía al grunge de planteamiento veloz y al descuido propio de la época. Si a ese estilo se le suma un flirteo con la bisexualidad, se obtiene una combinación irresistible. Incluso la portada, una foto de una andrógina pareja besándose, despertaba más preguntas que respuestas. Desde el primer golpe de bateria de "So Young", Suede cosntituye un viaje que abarca el glam rock (los coros cantarines de "Animal Nitrate") y un tono depresivo tipicamente urbano ("Breakdown" y "Sleeping Pills", dos de las letras más angustiosas de la carrera de Anderson). Sin embargo, esa aproximación a los aspectos más sórdidos y deteriodados de la vida londinense les brindaba muchas oportunidades de armar ruido. "Animal Lover", presuntamente dedicada al nuevo novio de la ex pareja de Anderson, era toda una sacudida para los sentidos, mientras que "Metal Mickey" resultaba absolutamente estimulante. Las letras anglocentristas de Anderson y el sonido guitarrero de Suede crearon un modelo para el britpop. Pero el grupo aspiraba a mucho más que los debuts de otros artistas. "The Next Life", una balada de piano cuyo protagonista soñaba entre lágrimas con un futuro mejor, resultaba tan ridiculamente dramática, tan afectada, que remataba el disco a la perfección. (JK)
Discografica: Atlantic Producido: Eddie Offord País: Reino Unido Duración: 81:12
Tracks: 1. The Revealing Science of God - Dance of Dawn.2. The Remembering - High the Memory.3. The Ancient Giants Under the Sun.4. Ritual - Nous Sommes du Soleil.
Band: Jon Anderson - Voces Rick Wakeman - TecladosSteve Howe - Guitarras, VocesChris Squire - Bajo, VocesAlan White - Bateria
Este extrordinario album doble rompio el idilio de la banda con los criticos especializados. A partir de esta produccion, el grupo fue acusado de ser "pretencioso" o "autoindulgente". Sin embargo la banda estaba en la cumbre de la perfeccion musical e instrumental. Como dice Steve Howe: "Quizas, en algun lado, estaba escrito que nosotros teniamos que escribir la version musical de la Biblia. Creo que con este disco estuvimos cerca de lograrlo... estabamos haciendo el album de nuestras vidas. El raconto de lo que habiamos sido hasta alli".
"Tales From...", editado el 9/1/74 (en EE.UU.), era un album complejo que elevo la fantasia cosmica y mistica del grupo hacia una nueva dimension un poco mas "espiritual", si se puede decir. El caso fue que si bien los fans amaron al disco desde el comienzo, los criticos no estaban para nada conformes con este album, al que consideraban como largo, aburrido y pretencioso por demas. La fascinacion de Jon Anderson por las religiones de oriente, nunca se habian manifestado en una forma tan clara como fueron explayadas en esta produccion, y esto llevo a la musica del grupo a un nivel poetico y filosofico casi incomprensible para muchos, incluido Rick Wakeman. El rubio tecladista estaba claramente disconforme con el giro musical que habia tomado Yes y asi lo explicaba: "No podes tocar lo que no entendes, y yo no entendia nada de este disco."
Pero para Anderson y Howe este era "el disco de sus vidas". Ellos encontraron la inspiracion para realizar este album estando en gira. En efecto, la idea inicial para este proyecto le surgio a Anderson (en una gira por Japon) mientras leia la "Autobiografia de un Yogui" de Paramhansa Yogananda. En este libro se habla de los Vedas y las escrituras shantricas, textos sagrados de la religion hindu que cubren todos los aspectos de la religion y la vida social; asi como tambien los campos de la medicina, la musica, el arte y la arquitectura. Ademas estos textos contienen codigos politicos, legales y morales. Anderson concibio entonces una composicion a gran escala llamada "Tales from Topographic Oceans", que iba a tener cuatros partes musicales interrelacionadas.
El primer movimiento se llama "The Revealing Science of God" - Dance of Dawn ("La reveladora ciencia de Dios" - "Danza del Alba"), la base de este tema son los shrutis, textos religiosos sagrados transmitidos de generacion en generacion. La letra ofrece una explicacion acerca de la "Ciencia Reveladora de Dios", entendida como "una flor que siempre se esta abriendo". El movimiento se desarrolla con una descripcion de la grandeza de la vida y el mundo y del conocimiento de Dios por los hombres. En el centro tenemos al protagonista que busca a traves de las dotrinas y los mandamientos tener un acercamiento a la "Ciencia Reveladora de Dios"; y a traves de los cambios musicales nos podemos dar idea de sus cuestionamientos internos, sus dudas e incertidumbres, pero por sobre todo su constante afan de busqueda. Para Jon Anderson, este tema simplemente "habla del 'amanecer de la luz', del poder y del amor".
El segundo movimiento llamado "The Remembering" - "High the Memory" ("El Recordar" - "La Alta Memoria"), basado en los Surutis, muestra el desarrollo de los pensamientos de la humanidad y tambien de sus miedos. Este movimiento narra tambien como el hombre tiene presente a Dios a pesar de su ausencia y de la retencion de ideas por la mente. La musica ayuda a recordar las experiencias que se han sumado hasta formar la memoria acumulativa (y colectiva) de la raza humana. La letra dice: "La alta memoria continua, los momentos permanecen...navega por entre tus suenios... y la fortaleza los recupera en nuestros propios tiempos. La historia es nuestra, continuaremos y buscaremos en el bosque del sol. Soniamos al soniar y soniamos al unisono... y pienso sinceramente que el sol te tomara silenciosamente."
El tercer movimiento es "The Ancient" - "Giants Under the Sun" ("Los Antiguos"-"Gigantes Bajo el Sol") esta basado en los Puranas (18 colecciones de leyendas con gran influencia aborigen). Este movimiento describe la "memoria comunal" desarrollada por los estudiosos y los hambres sabios. Tambien se recrea el sabor de las grandes civilizaciones perdidas que constribuyeron a la formacion de la humanidad; y como para afirmar el recuerdo de esas pasadas tradiciones, Los Antiguos recitan los nombres de primitivas divinidades del sol (desde las romanas hasta las aztecas). Los cambiantes estilos musicales reflejan tambien las cambiantes culturas.
Finalmente, el album llega a su "climax" con el movimiento llamado "Ritual" - "Nous Sommes du Soleil" ("Ritual" - "Nosotros Somos del Sol"). El concepto incluido en este movimiento esta basado en los Tantras y habla acerca de la sabiduria de la vida y lo positivo del puro amor. Segun la letra, la vida es una lucha entre el mal y el amor puro. El movimiento empieza con una introduccion que recorre buena parte de los leitmotivs musicales desarrollados en los tres partes previas, asi como un guinio a los fans con la auto-cita del riff principal de "Close to the Edge". La letra comienza con el optimismo extremo de haber alcnazado una utopia. Jon Anderson declaro al respecto: "Al final de 'Tales From Topoghaphic Oceans' pusimos una cancion de amor, algo muy personal. Creo que mucha gente necesita amor, fortaleza y una especie de energia que los acaricie. Recuerdo, alguna vez, haberme sentido totalmente perdido, y tras escuchar a los Beatles cantar 'All You Need is Love", pense: '!eso es... de eso se trata.' Eso me produjo un rejuvenecimiento instantaneo."
Para terminar, a pesar de las criticas negativas, el disco fue un suceso comercial, ya que alcanzo el primer puesto en Inglaterra y el sexto lugar en los Estados Unidos. Ademas fue el primer disco en obtener el galardon de ser disco de oro antes de su salida, debido a la gran cantidad de pedidos anticipados que registraron las disquerias. En resumen, "Tales..." fue una obra musical y filosofica descomunal, que aun hoy sigue maravillando a millones de fans que lo reconocen como una produccion musical unica y super original ligada tanto a la mente como al alma humana.
Discografica: RCA Producido: D.Bowie/K.Scott País: Reino Unido Duración: 41:38
Tracks: 1. "Changes" 2. "Oh! You Pretty Things" 3. "Eight Line Poem" 4. "Life on Mars?" 5. "Kooks" 6. "Quicksand" 7. "Fill Your Heart" 8. "Andy Warhol" 9. "Song for Bob Dylan" 10. "Queen Bitch"11 11. "The Bewlay Brothers"
Band: David Bowie – voz, guitarra, saxofón alto y tenor, piano Mick Ronson – guitarra, voz, Mellotron, arreglos Rick Wakeman – piano Trevor Bolder – bajo, trompeta Mick Woodmansey – batería
Un álbum conceptual de hard rock acerca de un travesti con el cráneo rasurado no logro convertir a David Bowie en una estrella, de modo que a este siguió The Man Who Sold The World, con una serie de excentridades acústicas, tributos a héroes y surrealismo. Aunque parezca asombroso, el LP tampoco triunfo, y el Space Oddity de 1969 empezó a considerarse cada vez más un éxito aislado. En consecuencia, Bowie afirmo (falsamente) ser gay, disfruto de la consiguiente publicidad, escribió canciones sobre un astronauta y se convirtió en el músico mas influyente de la década. En ese momento, por fin, la gente fascinada por Ziggy Stardust compro aquel juguete: Hunky Dory. Descubrió un álbum entrañablemente afectado, lleno de canciones de primera, con joyas como “Queen Bitch”. El efecto calmante de una esposa y un hijo condujo instantáneas familiares como “Kooks”, lo cual lo convierte en un álbum mas humano de Bowie, sin embargo cuenta con momentos mas duros, en especial “Andy Warhol”. Y el álbum se remonta en tres cortes. “Quicksand”, como en Aladdin Sane, se inspiro en la dicha y desdicha de Estados Unidos, pero es una hermosa balada, para nada es un rock desgarrado, mientras que “The Bewlay Brothers” es un fascinante retrato de una enfermedad mental. La mejor, “Life On Mars?”, cuyo improbable punto de partida es el encargo que recibió Bowie de escribir la letra en ingles de la canción que seria “My Way”, no parece de este mundo.
Discografica: Harvest Producido: M. Jones/R.Waters País: Reino Unido Duración: 37:02
Tracks: 1. Terrapin 2. No Good Trying 3. Love You 4. No Man's Land 5. Dark Globe 6. Here I Go 7. Octopus 8. Golden Hair 9. Long Gone 10. She Took a Long Cold Look 11. Feel 12. If It's in You 13. Late Night
Band: Syd Barrett: Guitar, Vocals David Gilmour: Bass, Guitar Roger Waters: Bass Hugh Hopper: Bass Mike Ratledge: Keyboards John Wilson: Drums Robert Wyatt: Drums
Barrett infundía a su trabajo unas letras y un paganismo de ensueño, de dimensiones casi cósmicas. Tras dejar Pink Floyd, la carrera en solitario de Barrett fue breve y errática.
“Madcap” fue preparado y grabado en pocos días, y suena como tal: se nota en la apertura en falso de “If It´s In You”. Sin duda, de no ser por la ayuda de Roger Water y Dave Gilmour, el disco nunca habría visto la luz. La guitarra de Barrett avanza a trompicones, ya a menudo su voz se pierde en quejidos desafinados. Incluso se puede oir el ruido de páginas pasando a mitad de alguna canción. Pese a todo ello, las melodías orientalizadas del álbum y un muy peculiar sentido del pop inspiraron a multitud de místicos del rock.
Los incondicionales defienden el resultado, cautivados por el sufrimiento solitario de un artista enfermo: los críticos lo comparan con obras maestras del periodo.
Por su puesto hay momentos en que despunta el genio. “Dark Globe”, con sus letras fantásticas y su vals aporreado, es un tema turbador. Y en “Late Night”, donde la delicada percusión pone aún más de relieve los excesos de Barrett, aparece una deliciosa guitarra tocada con slide, de echo, un mechero. También se música a Joyce, de un modo un tanto fantasmagórico, en “Golden Hair”. Cierra la lista de virtudes “Here I Go” de ritmos contagiosos y espontáneos.
Siempre se ha metido a Syd Barrett en el saco de los depresivos, esquizofrénicos y otros enfermos mentales, y no se le ha valorado por su música. Syd Barrett se limito, sencillamente, a ofrecer unas cuantas horas de creatividad enlatada, y la historia debería reconocerlo en su justa medida.
Discográfica: Island Producido: Ian Anderson/ Terry Ellis País: Reino Unido Duración: 44:53
Tracks: 1. Aqualung 2. Cross-Eyed Mary 3. Cheap Day Return 4. Mother Goose 5. Wond'ring Aloud 6. Up to Me 7. My God 8. Hymn 43 9. Slipstream 10. Locomotive Breath 11. Wind Up
Band: Ian Anderson: Guitar (Acoustic), Flute, Guitar, Vocals Martin Barre: Guitar Clive Bunker: Percussion, Drums John Evan: Organ, Piano, Keyboards, Multi Instruments, Mellotron Jeffrey Hammond-Hammond: Bass
“Aqualung” abre el disco con el eclecticismo marca de la casa. El tranquilo rasgueo de las acústicas y un noble piano protagonizan el primer movimiento del tema, que minutos después cambia de tornas y se ve sujeto al frenesí del bajo y la batería, para que un certero solo de guitarra eléctrica corone la composición. En “ Crosse-Eyed Mary”, la flauta de Ian Anderson flota y se eleva gracias a la orquestación de David Palmer. Acto seguido, la canción se zambulle en territorios guitarreros más vigorosos, que se van apagando conforme el piano, el cencerro y la flauta de Anderson se sobreponen al poderío sonoro de guitarra, bajo y batería. Las letras de Anderson se distinguen por un desarrollo narrativo seductor, que en parte se nutre de sus experiencias de desahucio callejero, y contribuyen a que el álbum consiga un sonido bien singular y un mensaje muy apropiado para los tiempos que corrían. La envoltura conceptual de este trabajo se completa con los pasajes escritos en la contra, que son una vuelta de tuerca al primer capitulo del Génesis. En esta versión bíblica, el hombre creo primero a Dios y, acto seguido, grabó “Aqualung”. El disco es sin duda un hito en el pasado del folk al rock progresivo, aunque su temática densa no impidió que los riffs de guitarra que lo impregnaban fueran muy apreciados por las formulas radiofónicas, por lo que el álbum vendió millones de copias. (YK)
1. Formentera Lady 2. Sailor's Tale 3. The Letters 4. Ladies of the Road 5. Prelude: Song of the Gulls 6. Islands
Band:
Robert Fripp – Guitarra, melotrón Peter Sinfield - Letras y diseño gráfico Boz Burrell – Bajo y voz Mel Collins – Saxofón y flauta Ian Wallace – Batería
El cuarto álbum de KING CRIMSON llegó en una etapa difícil para la banda. HASKELL y McCULLOCH habían abandonado el grupo poco después de haber grabado "Lizard", quedándose sin vocalista, bajista y baterista. Fue entonces que Robert FRIPP (guitarra, melotrón, pedales) audicionó a nuevos músicos, quedando Ian WALLACE en la batería y Boz BURRELL en la voz. Faltaba el bajo, pero al no encontrar a alguno que le satisficiera, decidió enseñar a BURRELL a tocarlo, ocupando éste el doble puesto. El resto de la alineación estuvo conformado por Mel COLLINS (flautas, saxofón, vocales) y Peter SINFIELD (letras, sonidos, visiones), teniendo como intérpretes invitados a Keith TIPPETT (piano), Paulina LUCAS (soprano), Robin MILLER (oboe), Mark CHARIG (corneta) y Harry MILLER (bajo con arco), quienes observaron cómo las dificultades continuaron cuando SINFIELD abandona, y COLLINS, BURRELL y WALLACE lo hacen un año más tarde, luego de la gira Earthbound que promovió este álbum.
Islands es sin duda el disco más controvertido. Es el primero de una época más densa musicalmente hablando de KC, época que llegaría a su cenit posteriormente con el complejo Starless and Blible Black. Abre el disco Formentera's lady, compuesto durante la estancia de Fripp en la isla española. Fripp rompe con todo el pasado, sin olvidar sus raíces musicales. Ritmos y melodías casi psicodélicos, cercanas al rock de los sesenta. Sin duda Fripp debió moverse por ambientes hippies de la isla. No se trata ya de una obra de arte comparable a los dos primeros discos, por lo que se hace innecesario describir tema por tema. In The Court Of The Crimson King y In the wake of Poseidon, eran - y son - por su significado, parte de la Historia de la música.Este tema engancha con Sailor's tale, una pieza instrumental grandiosa y agresiva.
Prelude: song of the Gulls es un tema que sí merece comentario aparte: Fripp compone por primera vez un tema de música clásica pura para un álbum de KC. Es una muestra más de la genialidad y la capacidad del mismo para componer cualquier tipo de música. Nos demuestra que tiene capacidad para hacer un tema clásico, sin duda, lo más difícil. El rock es relativamente mediocre. La música clásica es de un escalafón mayor, y Fripp, al componer rock, sitúa al género progresivo en las más altas cotas aunque los melómanos lo ignoren. Ladies of the road es un nuevo homenaje a The Beatles, como ya lo fue Cat food del segundo álbum y que confirma la admiración de Fripp por los de Liverpool: sin comentarios.
El disco cierra con el tema que da nombre al disco, muy típico de la banda por otro lado, y muy original por su instrumentación de viento, y es que Islands es básicamente instrumental. Mejor, porque Boz no da la altura como vocalista en ningún momento. Se trata, sin duda, el menos significativo vocalista de la historia de KC, seguido por Haskell.
Tracks: 1. Arthur 2. Lady of the lake 3. Guinevere 4. Sir Lancelot and the Black Knight 5. Merlin the magician 6. Sir Galahad 7. The last battle
Músicos: Rick WAKEMAN: teclados.
Ashley HOLT: vocales. Gary PICKFORD–HOPKINS: vocales. Jeffrey CRAMPTON: guitarras. Roger NEWELL: bajo. Barney JAMES: batería. John HODSON: percusión. David KATZ: Violin, Orchestration, Orchestra Contractor Terry TAPLIN: narrador. El álbum (Parte 1): Con una extraordinaria historia detrás, un grupo ya probado y las ideas bien claras luego del ensayo con orquesta de “Journey…”, el nuevo disco de WAKEMAN sólo podía tener un comienzo tan apabullante como el que tiene: Tras las hermosas palabras del narrador, la orquesta (a la manera de Haendel más que de Wagner) inicia el magnífico tema que lleva el nombre del protagonista, en plan obertura operística barroca, con toda la épica y nobleza exigidas por el asunto. Antes de que se pueda recuperar el aliento, nos llega la primera demostración del trabajo de Rick con el clavicordio, combinado con el piano en un “continuo” que ya quisiera el mismo Haendel. Seguimos la narración juglaresca y muy bien cantada de los primeros pasos de Arturo hacia el trono, cuando extrae la espada Excalibur de la piedra y el yunque en los que había sido clavada por su padre, Uther Pendragon… En fin, todos sabemos la historia, pero lo fantástico es que no hay altibajos entre grupo y orquesta, ya sea que esta intervenga en pleno o parte de sus instrumentos se integren con la banda. El Moog es una sección más y la entrada de los coros es perfecta. WAKEMAN ha dicho que “Arthur” es su mejor tema y me inclino a darle la razón. Pese a sus siete minutos, uno querría que durara más.
A este inicio fulgurante le sigue Lady of the Lake, una composición corta y bellísima, a todo “barroco – medieval”, en la que Rick se luce de nuevo con su continuo de clave y que marca el motivo central de todo el álbum. Es también una de las mejores obras que el teclista haya compuesto nunca para el coro.
La bella y finalmente fatal Guinevere, esposa de Arturo y desdichada amante de Lanzarote, protagoniza el tercer tema, una semi balada pop realmente muy hermosa y también la mejor que WAKEMAN ha compuesto en esta onda. Sin embargo, tanto el tema anterior como Sir Lancelot and the Black Knight que le sigue, a pesar de ser éxitos que aún aparecen en grabaciones en directo de Rick ó en su homenaje, a mi modo de ver bajan el tono logrado con los dos primeros cortes del álbum. Luego hablaremos de esto. Mientras, la batalla entre los dos caballeros está muy bien escenificada, con tremendos golpes del Moog y una concepción muy cinematográfica del asunto de honor en el que Lancelot salva a su amada. Como siempre, orquesta, grupo, coro y cantantes se manejan a la perfección.
Entreacto: Se impone un inciso antes del segundo acto, o la segunda cara en el vinilo original. La historia artúrica es enormemente larga, compleja y llena de matices. En un solo disco es muy difícil condensar un tema básico no ya de una literatura, sino casi de una civilización. Hay rumores de que el álbum se pensó inicialmente como doble, pero recordemos que en 1974 la crisis del petróleo estaba en pleno apogeo… y a WAKEMAN quizá se le acabó el gas, no sabemos.
La cuestión es que, primero, Rick acierta en su enfoque, muy coherente con el libro que lo inspira: El hecho de que un ideal está condenado indefectiblemente al fracaso planea sobre el disco y se resuelve de forma magistral, como veremos. Arthur es a la vez un salto adelante y un paso en otra dirección respecto aJourney… Sea por la falta de espacio ó porque WAKEMAN lo planeó así, la historia esta hecha de retazos, no es un guión avanzando como en su disco anterior. La unidad la dan el espíritu musical, los motivos repetidos y el peso de un destino trágico, un poco a la manera de las óperas primitivas, en las que aún no se había resuelto del todo la dualidad entre argumento teatral y progresión de la música.
En segundo lugar y para conseguir esto, Rick emplea varios elementos musicales impactantes. A un lado (casi) el órgano y el mellotrón, el empleo del continuo barroco con clavicordio unido en ocasiones al piano y el uso del piano eléctrico son, creo, algo realmente único en el rock progresivo. Si sumamos el balance perfecto entre grupo eléctrico y orquesta, podemos decir que WAKEMAN obtiene aquí logros por encima de DEEP PURPLE, The NICE y PINK FLOYD en sus respectivas obras con acompañamiento orquestal. Tener dos cantantes con timbres distintos y el uso (tímido en ocasiones) del coro, favorece el aire operístico arcaico del álbum, que como decía podría haberse aprovechado más, ya que los dos últimos cortes de la primera cara del vinilo carecen casi de esta característica, que regresa en el segundo acto…
El álbum (Parte 2): Merlin the Magician, el alter ego de WAKEMAN por esa época, abría el segundo lado del LP original y nos retrotrae por un momento al espíritu de The six wives…: Aquí la orquesta, después de la preciosa repetición del “leit – motiv” de coros y clave, sólo actúa con maderas y metales para dar color a una composición magistral guiada íntegramente por Rick. Cuerdas y coros son (sospecho) fruto del mellotrón, pero el tema se integra perfectamente en el álbum, con su atmósfera a veces alucinada (el mago en su laboratorio) con acompañamiento a lo “music hall” y otras de una arrebatadora nostalgia (el presagio del final). Lo que de forma indudable corona Merlin… es el extraordinario solo doble que Rick les saca a sus mini Moogs: Pese a los magníficos precedentes y alguna incursión posterior, es lo mejor que ha hecho WAKEMAN con un sintetizador analógico, a un nivel en el que sólo están gente como Keith EMERSON ó PatrickMORAZ. En sus memorias (3), el teclista dice que tuvo que tomarse un coñac doble en el bar de los estudios para grabar el solo de un tirón. Quiero pensar que se refiere a la segunda intervención, que es de verdad loquísima. Y esos bajos...
La esperanza asoma con SirGalahad, por fin el caballero perfecto aunque hijo ilegítimo del gran Lanzarote. Tendrá el Grial, pero no será suficiente para salvar la empresa. Es el único tema en el que reaparece el antaño sempiterno Hammond y las secuencias “hipnóticas” relacionadas con el Grial están muy bien logradas.
Y el gran final. The Last Battle es por una parte el enfrentamiento contra las fuerzas “negras” de Mordred, a su vez hijo ilegítimo de Arturo y cuya sombra aplasta toda la historia en la versión de Malory, como un pecado que exigirá su penitencia en el peor momento; por otra, la triste culminación de un destino anunciado. Sólo algunos viejos paladines sobrevivirán y el narrador nos cuenta el hallazgo (apócrifo) de las tumbas de Arturo y Guinevere. Entre medias, los temas sucesivos de todo el álbum pasan a primer plano, culminando con la reaparición del inicial de “Arthur”, para terminar en un desarrollo nostálgico y, quieras que no, emocionante. Como las demás piezas (si exceptuamos las dos primeras) tiene su particular solo de sintetizador, pero el mejor sigue siendo el de Merlin…
Dejamos para lo último la portada, aunque es lo primero que nuestros ojos adolescentes veían de los fabulosos LP de antaño. La cubierta es un poco cartón piedra, al estilo de las películas “kitsch” de los 70, pero el diseño interior es magnífico. No hay fotografías, sólo dibujos de clara tendencia medieval y tipografía gótica para las letras de cada uno de los temas. Todo transmite un sentimiento deliciosamente antiguo.
Epílogo: Al salir The Myths and Legends… los críticos siguieron como siempre, la gente lo apreció como demuestra el nº 2 logrado en las listas británicas, Rick se salió por peteneras con tremendos conciertos que incluían 19 patinadores /as sobre hielo para escenificar la historia y el punk se acercaba. El brujo no volvió a intentar cosas de ese calibre, se reunió con YES a finales del 76 tras un álbum (No earthly connection) no tan exitoso y ahí acabó su primera época.
Después de más de tres décadas, si bien esta aventura puede no parecer tan actual como The six wives…, su triunfo es el fabuloso sonido combinado de Rick, su grupo (no lo hemos dicho: se llamó The English Rock Ensemble, nada menos) y la gran orquesta, sin parangón hasta entonces. ¿Ampuloso? Puede ser. Lo que fastidia es que hoy día los medios de masas veneran historias ampulosas hasta lo enfermizo, que dominan el cine y la seudo – literatura, sin un acompañamiento musical de verdad. Quizá falte alguien capaz de emocionar otra vez con propuestas gigantescas, del tamaño de los tiempos que corren, para bien ó para mal.
